Zoya Cherkassky nació en Kiev, Ucrania, en 1976. Su obra, que representa diversas realidades soviéticas, narra historias y escenas específicas, además de situaciones cotidianas como los desplazamientos diarios y las tareas domésticas. Mediante la investigación histórica y la memoria, reúne objetos y patrones reconocibles para reconstruir una época pasada que define millones de identidades. Obra expuesta: Sin título , 202. Técnica mixta sobre papel, 5 x 7.5 pulgadas. Colección del Museo del Sexo.

Judy Chicago es artista, autora, feminista y educadora, con una trayectoria profesional de seis décadas. Estudió en la Universidad de California, Los Ángeles, donde se graduó con una maestría en pintura y escultura en 1964. En 1970, fundó el primer programa de arte feminista en la Universidad Estatal de California, Fresno. Chicago trabaja con diversos medios, a menudo utilizando técnicas artesanales tradicionales como el bordado y la pintura sobre porcelana. El objetivo principal de su obra es dar visibilidad a la imaginería femenina y contrarrestar el olvido de los logros de las mujeres en el arte y la sociedad. Obra expuesta: Love Story , 1971. Fotolitografía offset sobre papel, edición de 250 ejemplares, 16 x 12 cm. Cortesía de la artista y Jessica Silverman, San Francisco.

Hannah Claus es una artista visual Kanienkehá:ka e inglesa que explora las epistemologías Onkwehonwe como relaciones transversales vivas en su práctica de instalación y video. Becaria Eiteljorg 2019 y ganadora del Premio Giverny 2020, sus instalaciones se han incluido en exposiciones en todo Canadá, más recientemente en el Museo de Bellas Artes de Montreal y el Museo de Arte Contemporáneo (Montreal), así como en el Museo de Arte y Diseño (Nueva York), el Museo Eiteljorg (Indianápolis), el Museo NoNAM (Zúrich) y la Bundeskunsthall (Bonn). Vive y trabaja en Tiohtià:ke [Montreal] desde 2001. Obra en exhibición: For those who didn't make it home / pour celles qui ne sont jamais revenues , 2015. Proyección de video, madera contrachapada de abedul ruso, malla de aluminio, 8 ½ x 60 pulgadas. Colección de la Ciudad de Montreal.

Sue Coe es una artista e ilustradora inglesa que trabaja principalmente en dibujo, grabado y en la creación de libros ilustrados y cómics. Su obra se inscribe en la tradición del arte de protesta social y tiene un marcado carácter político. A menudo, la obra de Coe incluye comentarios sobre los derechos de los animales, aunque también crea obras que ponen de relieve los derechos de los pueblos marginados y critican el capitalismo. Sus comentarios sobre acontecimientos políticos e injusticias sociales se publican en periódicos, revistas y libros. Su obra se ha expuesto internacionalmente tanto en exposiciones individuales como colectivas y forma parte de las colecciones de diversos museos internacionales. Reside en el norte del estado de Nueva York. Obra expuesta: It's Not Safe , 1983. Técnica mixta y collage sobre papel con soporte de lienzo. 83 ½ x 120 pulgadas. Cortesía de la artista y la Galerie St. Etienne, Nueva York.

Silvia Giambrone explora la política corporal contemporánea, centrándose especialmente en la violencia física y psicológica contra las mujeres. Con un enfoque casi etnográfico, Giambrone examina críticamente el entorno doméstico tradicional y desvela las dinámicas de poder inherentes, aunque a menudo ocultas, en las relaciones. Obra expuesta: TRAUM , 2019. Escultura de cerámica (7 x 11 x 3 cm) y performance documentada. Cortesía de la artista, Richard Saltoun Gallery y Studio Stefania Miscetti.

Leslie Labowitz-Starus es una artista y empresaria de Los Ángeles, conocida principalmente por su colaboración con Suzanne Lacy en performances mediáticas a gran escala sobre la violencia contra las mujeres. Juntas crearon Ariadne: A Social Art Network para incluir la participación de mujeres en los medios de comunicación, la política y la comunidad artística en sus elaborados eventos. Estas obras se han exhibido internacionalmente y se han publicado en libros importantes como «The Power of Feminist Art» (1994) y «Wack! Art and Feminist Revolution» (2007). La documentación de las obras de Ariadne de 1977 a 1982 se encuentra actualmente en la instalación contemporánea «The Performing Archive» y se exhibe en Berlín, España y San Francisco. Labowitz-Starus obtuvo su maestría en Bellas Artes del Otis Art Institute y fue becaria Fulbright en 1972. Trabajó con Joseph Beuys en la Kunstakadamie de Düsseldorf, Alemania, donde vivió hasta 1977, año en que regresó a Los Ángeles. Actualmente, Labowitz-Starus es artista, empresaria y presidenta de «Foodology», una empresa de alimentos orgánicos que surgió de su serie de performances «Sproutime» (1980-2021) y que continúa en desarrollo. Obras expuestas: Myths About Rape, All Men Are Potential Rapists, The Rape y Fight Back (1977). Todas son impresiones en vinilo de 16 x 24 pulgadas sobre tabla. Performances en el LA City Hall Mall como parte de Three Weeks in May (1977) de Suzanne Lacy. Fotografías de Lacy. Cortesía de la artista.

Chang-Jin Lee es una artista visual nacida en Corea que reside en la ciudad de Nueva York. Su origen y experiencias multiculturales se reflejan en sus investigaciones sobre diversos temas culturales y sociales. Sus obras abordan temas como las "mujeres de consuelo", el 11-S, el género, la identidad, el individualismo, las fábricas clandestinas y la globalización, Corea del Norte y el nacionalismo, y la espiritualidad. Obra en exhibición: Comfort Women Wanted , 2016 – en curso, seis pancartas de tela de 48 x 112 pulgadas y un video digital en blanco y negro de 66 minutos con sonido. Cortesía de la artista.

Hannah McBroom se graduó de la Universidad Estatal de Mississippi con una Licenciatura en Bellas Artes con especialización en Pintura. Obtuvo una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Arkansas en 2019. Su obra explora temas como la identidad transgénero, la materialidad y el cuerpo. Obra expuesta: « Lo que viniste a buscar» , 2019. Óleo sobre lienzo, 40 x 48 pulgadas. Cortesía de la artista.

Owanto es una artista gabonesa multicultural nacida en París, Francia. Creció en Libreville, Gabón, y posteriormente se trasladó a Europa para estudiar Filosofía, Literatura e Idiomas. Su práctica multidisciplinar surge de una trayectoria de 30 años en la que explora diversos medios, como la fotografía, la escultura, la pintura, el vídeo, el sonido, la instalación y las performances. Su interés por la memoria la lleva a construir nuevos mundos utópicos, reflexionando sobre los conceptos de identidad, transformación y evolución. Obra expuesta: Flowers V , 2021. Flor de porcelana fría sobre impresión UV de aluminio. 25 x 49 x 6 cm. © 2021 Owanto.

Joyce J. Scott es una artista afroamericana de Baltimore, reconocida mundialmente por sus poderosas representaciones de temas raciales y políticos, realizadas con vidrio y cuentas. Trabajando con diversos medios, la práctica de Scott está influenciada por múltiples culturas, incluyendo la nativa americana y la africana. «Creo en desafiar los estereotipos. Para mí es importante usar el arte de una manera que incite a la gente a observar y llevarse algo a casa, incluso si es subliminal», ha dicho sobre su trabajo. Obras en exhibición: Day After Rape: Gathering Water y Day After Rape: Gathering Wood , 2009. Cuentas de vidrio, hilo, frasco de vidrio y pipas de madera 8 x 8 x 4 pulgadas y 7 ¼ x 13 x 3 pulgadas. Cortesía de Goya Contemporary Gallery y Amy Eva Raehse & David Tomasko, Baltimore.

Davina Semo tiene una licenciatura en Artes Visuales y Escritura Creativa de la Universidad de Brown y una maestría en Bellas Artes de la Universidad de California, San Diego. En 2021, la obra de la artista se exhibió en el Muelle 1 del Brooklyn Bridge Park en la instalación individual Reverberation, encargada por Public Art Fund. Recientemente, Semo disfrutó de la exposición individual Core Reflections en el Centro di Rosa para el Arte Contemporáneo, Napa, donde el escritor ganador del Premio Pulitzer, Forrest Gander, compuso poesía y reflexiones críticas para acompañar la nueva escultura de la artista. Su obra se exhibe a nivel nacional e internacional. Semo ha expuesto en importantes exposiciones colectivas en: San Francisco Arts Commission; Contemporary Jewish Museum, San Francisco; SOMArts, San Francisco; y Hannah Hoffman Gallery, Los Ángeles. Su obra se exhibe actualmente en Berkeley Art Museum y Pacific Film Archive en “New Time: Art and Feminisms in the 21st Century”, una importante muestra que explora las prácticas feministas recientes en el arte contemporáneo. Semo vive y trabaja en San Francisco. Está representada por Jessica Silverman, San Francisco. Obra en exhibición: She Knew So Much; Ella había sido así desde que era niña, curiosa por todo , 2013-2018. Bronce fundido pulido, 21 x ½ x 1 ⅛ pulgadas. Edición 4 de 5. Cortesía de la artista y Jessica Silverman, San Francisco.

Aida Silvestri es una artista interdisciplinaria, activista y educadora de ascendencia eritrea que crea obras de técnica mixta que desafían el statu quo del estigma, el prejuicio y la injusticia social en relación con cuestiones de raza, clase, identidad y salud, combinando a menudo texto, imagen y técnicas experimentales para manipular la superficie fotográfica. Las exposiciones individuales de Silvestri incluyen Autograph y Roman Road Gallery, ambas en Londres, y ha expuesto en muestras colectivas internacionales como African Cosmologies: Photography, Time and the Other (FotoFest, Houston, 2020), y en The Photographers' Gallery, Londres; Saatchi Gallery, Londres; TEAT Champ Fleuri, Sainte-Clotilde; Musée National d'Histoire- aux-Poissons, Ville-Haute; The Hong-Gah Museum, Taipéi; Benaki Museum, Atenas; Cours de L'Archevéché, Arles; y Centquarter, París. En 2021 fue artista residente en Light Work, Syracuse. Sus obras forman parte de las colecciones del Museo de Bellas Artes de Houston (EE. UU.), el Museo del Condado de Los Ángeles (EE. UU.) y Autograph, Londres (Reino Unido). Obras expuestas: Distance: Type IB (2015-16); Type II D – Excision (2015-16); Type II F – Excision (2015-16); Razor blades and paint on giclée print (pieza única); Giclée print and vintage leather, stitching (pieza única). 17.3 x 23.6 pulg.; 23 x 33 pulg. © Aida Silvestri. Cortesía de Autograph, Londres.

Aga Tamiola es una artista multidisciplinar radicada en Berlín. Su desarraigo geográfico y lingüístico la llevó a centrarse en los aspectos de la pérdida, la identidad y la pertenencia en el contexto de las relaciones sociales y las nuevas tecnologías. Sus pinturas, grabados y esculturas miran más allá de la superficie de las constelaciones culturales establecidas para arrojar luz sobre lo invisible y encontrar nuevas formas de interpretar lo cotidiano. Los entornos e instalaciones que crea Aga insinúan, y a veces rompen, los incómodos silencios asociados al abuso de poder que puede tener lugar dentro de la familia o la sociedad. También le interesa el poder sanador del arte, el uso de herramientas y materiales para reparar, reconstruir y reestructurar identidades tras la pérdida y el desplazamiento. Obras en exhibición: Obsolete Oath , 2014, Hierro fundido, 4 ⅓ x 1 ⅖ pulg. x ⁷/₁₀ pulg. y Traditions Run Deeper Than Law , 2015. Seis impresiones de inyección de tinta de archivo. 5 ⁹/₁₀ x 10 ⅗ pulgadas. Cortesía del artista.

Ada Trillo es una fotógrafa radicada en Filadelfia, nacida y criada en la región fronteriza binacional de Ciudad Juárez, México, y El Paso, Texas. En su obra, se centra en las fronteras de inclusión y exclusión, tal como se experimentan a través de las personas víctimas de trata sexual; la migración internacional relacionada con el clima y la violencia; y las barreras históricas de raza y clase. Obras en exhibición: Lupita, Sylvia y Sandra de la serie ¿Cómo llegué aquí?, 2015. Tres fotografías impresas con pigmentos de archivo. Dimensiones totales: 20 x 28 pulgadas; 22 x 14 pulgadas; 20 x 28 pulgadas. Cortesía de la artista.

CURADOR

Emily Shoyer

COMISARIO ASISTENTE

Eva Arballo

EXPOSICIÓN DE DISEÑO

Feiyi Bie

PRODUCCIÓN DE EXPOSICIONES

Cletis Chatterton

EQUIPO TECNOLOGICO

edgar samudio
Winston Forgenie Jr.

EQUIPO DE INSTALACIÓN Y CONSTRUCCIÓN

Flores Pintura
cabestro de allison
Sara Sciabbarrasi

CONTRIBUYENTE CURATORIAL

Erin Barnet

EDITOR

patricio mcgraw

PRESTAMISTAS

Amy Eva Raehse y David Tomasko, Baltimore
Autógrafo ABP, Londres
Colección de la Ciudad de Montreal, CA
Galería St. Etienne, Nueva York
Goya Contemporáneo, Baltimore
Galería Jessica Silverman, San Francisco
Galería Richard Saltoun, Londres
Estudio Stefania Miscetti, Roma

El Proyecto de Trabajadoras Sexuales del Centro de Justicia Urbana es una organización nacional que defiende los derechos humanos de las trabajadoras sexuales desestigmatizando y despenalizando a las personas que ejercen el trabajo sexual a través de servicios legales gratuitos, educación, investigación y promoción de políticas. Su objetivo es crear un mundo sexualmente liberado donde todas las trabajadoras tengan la autonomía y el poder para disfrutar plenamente de sus derechos humanos. Sus valores organizacionales se entrelazan con los derechos humanos, la reducción de daños, la atención informada sobre el trauma y la lucha contra la opresión. La mayoría del personal son trabajadoras sexuales actuales o anteriores, así como personas queer, no binarias y/o trans. Más información aquí . En la exposición se presenta Sex(ual) Healing (2021), el primer episodio de una docuserie matizada y centrada en la realidad que ayudará a millones de personas a comprender mejor la complejidad y diversidad del trabajo sexual, reconocer el impacto perjudicial de las leyes existentes y cambiar la forma en que hablamos sobre criminalidad, sexo y consentimiento. Su objetivo es educar, crear conciencia y construir una audiencia que pueda movilizarse para defender los derechos de las trabajadoras sexuales en todo el país.

Lora DiCarlo comenzó en 2017. Su primer dispositivo se inspiró en la experiencia y la perseverancia de su fundadora y CEO, Lora Haddock DiCarlo, y se desarrolló en colaboración con el Laboratorio de Robótica e Ingeniería de la Universidad Estatal de Oregón. El éxito llegó cuando ganaron un prestigioso premio a la innovación robótica de la Consumer Technology Association. Cuando el premio fue revocado (¡¿cómo es posible?!), se desató un debate público crucial sobre la equidad de género en la tecnología y el derecho al placer para todas las personas. La actriz, modelo y activista Cara Delevingne se unió a Lora DiCarlo como copropietaria y asesora creativa. Lora, Cara y el equipo de Lora DiCarlo trabajarán juntos para seguir superando los límites. Con un equipo de ingeniería propio y una gran capacidad de desarrollo, están creando y mejorando rápidamente sus productos innovadores para satisfacer las necesidades del mercado y ampliar la inclusión de más anatomías. Su labor educativa y su activismo están rompiendo las barreras de la estigmatización sistémica arraigada. Juntas, Lora DiCarlo y Cara se comprometen a reducir la brecha del orgasmo y a impulsar un mundo donde todas las personas puedan vivir su sexualidad con positividad y confianza. Sus productos están diseñados para ser inclusivos, fáciles de usar y, sobre todo, sorprendentes. Combinan tecnología innovadora con un diseño exquisito para deleitarte en el momento y motivarte a seguir explorando tu bienestar sexual. Los productos están a la venta en la tienda del Museo del Sexo y puedes obtener más información aquí.