CAJSA VON ZEIPEL profundiza en la identidad, el género y la disidencia sexual, cuestionando los ideales del clasicismo a través de la escultura. Inspirándose en la estética de la ciencia ficción y la fantasía, construye sus figuras en silicona de colores brillantes y las adorna con objetos cotidianos convertidos en tesoros relucientes. En una firme afirmación de la visibilidad femenina y una provocación sexual positiva, estos seres celebran un mundo de su propia creación. La obra de Von Zeipel se exhibe actualmente en el Museo ARKEN de Ishøj y en el Museo Rubell de Miami. Otras exposiciones recientes incluyen las de Peres Projects, Berlín; CF Hill, Estocolmo; la Bienal de Atenas; Copenhagen Contemporary, Dinamarca; Kunsthalle Düsseldorf, Alemania; Company Gallery, Nueva York; Andrehn-Schiptjenko, Estocolmo; Karma International, Zúrich; Konstmuseum, Kristinhamn y Arcadia Missa, Londres. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, como la Fundación Onassis, la Fundación Rubell, el Museo de Arte Moderno de Varsovia, la Colección Faurschou, el Museo 21C, el Modern Museet, el Museo de Arte de Borås y el Museo de Arte de Eskilstuna.

COYOTE PARK (él/elle) es un artista 2Spirit (coreano, alemán, nativo Yurok) originario de Honolulu, Hawái, que actualmente reside en el territorio Tongva (Los Ángeles). Es un artista transgénero que centra su práctica en la fotografía, la escritura, la performance, la pintura, la producción y la dirección creativa como formas de narración. El trabajo de Park busca crear una utopía queer fotografiando espacios de comodidad, unión y liberación. Park fusiona su obra escrita con su pasión por la creación de imágenes a través de su serie fotográfica titulada "All Kin is Blood Kin" (2020-actualidad), que aborda temas como la familia elegida, el renacimiento y la intimidad. Su intención en todo lo que crea es que sea un camino hacia la sanación y la creación de nuevos mundos.

Nicki Green es una artista transdisciplinaria que trabaja principalmente con arcilla. Sus esculturas, objetos rituales y diversas obras planas exploran temas como la preservación de la historia, la ornamentación conceptual y la estética de la otredad. A menudo, mediante la creación de superficies esmaltadas pintadas y ricamente ornamentadas, y técnicas de construcción orgánicas y experimentales, Green explora la integridad del material y del objeto utilizando la transexualidad como lente para observar el mundo. Green ha expuesto su obra internacionalmente, destacando su presencia en el New Museum de Nueva York, el Musée d'Art Moderne de París y el Contemporary Jewish Museum de San Francisco. Ha contribuido con textos a numerosas publicaciones, entre ellas Transgender Studies Quarterly, Fermenting Feminism (Copenhague) y las publicaciones del Center for Arts Research de la Universidad de Oregón (Eugene). Green recibió una beca de la Fundación Nancy Graves en 2022, fue becaria de Art Matters en 2020 y, en 2019, finalista del premio SECA del Museo de Arte Moderno de San Francisco. Además, obtuvo una residencia artística en el John Michael Kohler Art Center, entre otros premios y residencias. Originaria de Nueva Inglaterra, se licenció en Bellas Artes con especialización en escultura en el Instituto de Arte de San Francisco en 2009 y obtuvo su máster en Práctica Artística en la Universidad de California, Berkeley, en 2018. Actualmente, Green es profesora visitante y artista residente en el Centro de Cerámica Contemporánea de la Universidad Estatal de California, Long Beach.

Jimena Croceri es una artista multimedia radicada en Buenos Aires, Argentina. Su práctica artística se caracteriza por la intención y la experimentación, la resistencia y la fluidez. Adoptando un método experimental, que no es ni racional ni estéril, sino más bien curioso que preciso, su obra se compone de diversos elementos que son protagonistas: el tiempo, el azar, la colaboración, la correlación y la coincidencia. Utilizando tanto materiales cotidianos como elementos naturales, su trabajo explora puntos de flexibilidad entre gestos, rituales y performances. Entre sus residencias y premios recientes se incluyen la Beca Pernod Ricard 2020 en Villa Vassilieff en París, el programa de intercambio «Coincidencia» de Pro-Helvetia en Suiza (2019), una residencia en Bar Project en Barcelona (2019) y el programa de residencias FLORA ars+natura en Bogotá (2018). En 2017, Croceri realizó una investigación de campo en la selva amazónica brasileña, gracias a una beca de la Colección Oxenford. Las performances, talleres y exposiciones de Croceri han sido acogidas, entre otros, por el Museo MUNTREF (BsAs, 2022), el Museo de Arte Contemporáneo Ming (Shangai, 2022), el Centro Cultural Kirchner (BsAs, 2021), la Galería Piedras (Buenos Aires, 2020), la galería Raven Row (Londres, 2019), el Ausstellungsraum Klingental (Basilea, 2021 y 2019), el Cabaret Voltaire (Zúrich, 2019), el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (BsAs, 2021, 2019 y 2014), el Museo de Arte Latinoamericano (Buenos Aires, 2017), el Centro de Arte Faena (Buenos Aires, 2017 y 2015) y la HFBK (Dresde, 2016). Obra expuesta: El aire entre nosotros tiene forma de hueso o The air between us is in the shape of a bone (2020).

Alina Pérez obtuvo su licenciatura en Bellas Artes (Pintura) en la Escuela de Diseño de Rhode Island y su maestría en Pintura y Grabado en la Universidad de Arte de Yale en New Haven. Participó en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan en 2017 y ha realizado residencias artísticas en el Fine Arts Works Center en Provincetown, la Escuela de Arte OxBow en Michigan y el Vermont Studio Center. Su obra se ha expuesto recientemente en el Museo de Arte Taubman, Virginia; Atlanta Contemporary, Georgia; Deli Gallery, Nueva York; Arcadia Missa, Londres; Rachel Uffner, Nueva York; y Company Gallery, Nueva York. Pérez está representada por Deli Gallery, Nueva York.

MARIE KARLBERG vive y trabaja en Nueva York. En 2013, Karlberg fundó M/L Artspace con la artista Lena Henke. Karlberg ha actuado recientemente en Elevation1049, Gstaad; Palais de Tokyo, París; y Künstlerhaus Halle für Kunst & Medien, oGraz. Ha realizado exposiciones individuales en Bonny Poon, París; Plymouth Rock, Zúrich; Tramps, Nueva York; Marbriers 4, Ginebra y Reena Spaulings Fine Arts, Nueva York. Karlberg ha participado recientemente en exposiciones colectivas como “Legally Blonde”, Downs & Ross, Nueva York; “Ab auf die Insel!”, Kunstmuseum; Lucerna; IL NUOVO III,”Etablissement d'en face, Bruselas; La 9ª Bienal de Berlín, Berlín; “Freak Out”, Greene Naftali, Nueva York. Karlberg actuó en obras de teatro en el Schinkel Pavillion, Berlín; el Museo Whitney de Arte, Nueva York; y MoMA, Nueva York. La obra de Karlberg está incluida en las colecciones de Moderna Museet, Estocolmo, Suecia; Museo de Arte Moderno de París, París; y Laurenz-Stiftung Schaulager, Münchenstein, Suiza, entre otros.

KAYODE OJO recibió una Licenciatura en Bellas Artes de la Escuela de Artes Visuales. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Algunas de sus exposiciones incluyen: “Legally Blonde”, Downs & Ross, Nueva York; “Lucky for Men”, Bortolami Gallery, Nueva York; “Never Been Kissed”, Praz Dellavelade, Los Ángeles (2019); “You dressed him like me?”, Giardino Segreto, Milán, Italia; “Equilibrium”, Martos Gallery, Nueva York (2018); “Betrayal”, Galerie Balice Hertling, París, Francia; “Closer”, Sweetwater, Berlín; “Zoe Leonard, Kayode Ojo”, comisariada por Laura Hunt, Paula Cooper Gallery, Nueva York (2018); “Life and Limbs”, comisariada por Anne-Sophie Berger, Swiss Institute, Nueva York; “Invisible Man”, Martos Gallery, Nueva York.

CHERRY BRICE JR. es un escritor, pornógrafo y cineasta nacido en Brooklyn, criado en Port-au-Prince y educado en Harvard, cuya obra se ha proyectado desde Berlín hasta Ciudad de México y Port-au-Prince. Decidido a escapar del laberinto de espejos conceptuales del mundo occidental, Cherry crea obras basadas en el tiempo con temática de smog, esmegma y obscenidad. Cherry vivió en Haití hasta los once años y se graduó de Harvard College con una licenciatura en Economía. Cherry es el presentador, curador y creador de CineSymposia, un ciclo de proyecciones de cine radical e instalación artística en Anthology Film Archives, y de Ace of Shade, un espectáculo de comedia mensual con entradas agotadas en el Duplex Cabaret Theatre de Nueva York. Además de lo anterior, la obra de cherry ha recibido el apoyo, la presentación y la distribución de instituciones como el Museo de Arte Moderno, la Fundación de Nueva York para las Artes, la revista Los Angeles Review of Books, The New York Times, el Millennium Film Workshop y la Film-Makers' Cooperative, en cuyo consejo directivo cherry participa actualmente.

CLIFFORD PRINCE KING es un artista que vive y trabaja en Nueva York y Los Ángeles. King documenta sus relaciones íntimas en entornos cotidianos y tradicionales que reflejan sus experiencias como hombre negro queer. En estos casos, la comunión se transforma en una ofrenda de memoria; es su manera de honrar y celebrar la complejidad de la identidad. En las imágenes de King se vislumbran alusiones al pasado. Ofrendas compartidas al pasado se manifiestan en códigos ocultos a plena vista, conocidos solo por quienes comparten un conocimiento común. Recientemente ha presentado exposiciones individuales en Light Work, Syracuse (2021); No Moon, Los Ángeles (2021); y STARS, Los Ángeles (2020). Su obra forma parte de colecciones públicas como el Hammer Museum, el ICA Miami, el Kleefeld Contemporary Art Museum, Long Beach, el Los Angeles County Museum of Arts, el Minneapolis Institute of Art y el Studio Museum in Harlem.

Justin Yoon es un pintor afincado en Brooklyn. Sus recuerdos de infancia, marcados por la comida basura estadounidense, las películas clásicas de Hollywood que veía a altas horas de la noche en la televisión y escuchar jazz en el coche con su familia durante largos viajes, influyeron profundamente en la creación de un mundo de melancolía romántica, colores sintéticos y una aparente desorientación existencial. Sin provocar emociones específicas, el grupo de personajes se repite una y otra vez en un paisaje onírico, profundamente sintético pero a la vez ambiguo, en esta interminable «reunión de instituto». El espectador se convierte en parte de esta experiencia, vagamente universal y profundamente personal. Justin es licenciado en Bellas Artes con especialización en Ilustración por la Parsons School for Design de Nueva York. Su obra se ha expuesto en galerías como Anat Ebgi, Shelter, Hannah Traore, Governors Island Art Fair y Felix Art Fair, entre otras. Entre sus próximas exposiciones se incluyen una muestra individual en línea con Taymour Grahne Projects (Londres, Reino Unido), una exposición colectiva con el Museum of Sex (Nueva York, NY) y dos muestras individuales con Mindy Solomon Gallery (Miami, FL) y Anat Ebgi (Los Ángeles, CA). La obra de Justin ha sido publicada en Math Magazine, Lezs Magazine y otras revistas.

PACIFICO SILANO es un artista que trabaja con la fotografía, explorando la cultura impresa, la circulación de imágenes y la identidad LGBTQ. Nacido en Brooklyn, Nueva York, obtuvo su Maestría en Bellas Artes en Fotografía de la Escuela de Artes Visuales. Recientemente inauguró una exposición individual en dos lugares: Fragment Gallery y Rubber-Factory en Nueva York. Otras exposiciones individuales suyas incluyen The Bronx Museum of the Arts, The Houston Center for Photography, Light Work, Baxter Street CCNY, Melanie Flood Projects, Stellar Projects y Monti8 en Italia. Entre las exposiciones colectivas seleccionadas se encuentran A Trillion Sunsets: A Century of Image Overload , comisariada por David Campany, en The International Center for Photography; Fantasy America , comisariada por Jose Diaz en The Andy Warhol Museum; reGeneration4: The Challenges for Photography and its Museum of Tomorrow , Musée de l'Elysée, Lausanne, Suiza; Divina Comedia , comisariada por Pedro Slim, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México, México; y la exposición itinerante Art AIDS America. Aperture, Artforum, The New Yorker y The Washington Post han reseñado su obra. Entre los premios que ha recibido Silano se incluyen la beca para fotógrafos individuales de la Fundación Aaron Siskind, la nominación como finalista al premio Portfolio de la Fundación Aperture y la residencia artística Block Gallery del Museo de Arte del Bronx en 2019. Su libro «I Wish I Never Saw The Sunshine», publicado por Loose Joints, fue preseleccionado recientemente para el premio Rencontres Arles Prix du Livre y para el premio The Paris Photo / Aperture Foundation al mejor primer libro. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MoMA).

Victoria Dugger es una artista visual que vive y trabaja en Athens, Georgia. Su práctica abarca la pintura, las obras de técnica mixta y la escultura. Al trabajar con estas formas, crea objetos que difuminan las categorías establecidas, explorando nuevas maneras de autoexpresión y corporalidad. Disecciona su identidad como mujer negra y discapacitada a través de una mezcla de composiciones lúdicas e imágenes grotescas. Actualmente, Dugger cursa una maestría en Bellas Artes en la Escuela de Arte Lamar Dodd de la Universidad de Georgia. Su primera exposición individual, Out of Body, tuvo lugar en Sargent's Daughters en julio de 2021. Otras presentaciones individuales recientes incluyen Mind the Body , Lyndon House Arts Center, Athens, GA (2017); y Saccharine , Container Gallery, Columbus State University, Columbus, GA (2015).

La práctica pictórica de Tao Siqi surge de su búsqueda de metáforas ocultas bajo la superficie de los objetos. Los aspectos positivos y negativos de un objeto la intrigan y la impulsan a explorar su trasfondo emocional en el lienzo. Los temas inusuales en las pinturas de Tao —la fuente envuelta en una bruma azul polvorienta, la suavidad del arma de metal y el muñeco de nieve derritiéndose— trascienden sus significantes y reflejan la tensión entre realidad e ilusión. Con raíces en su aguda observación y su sensible percepción de la época que vivimos, sus obras buscan provocar experiencias emocionales personales mediante la construcción, extensión y deconstrucción de imágenes. Tao Siqi nació en Wuhan, provincia de Hubei, China, en 1994, y actualmente vive y trabaja en Shanghái. Se graduó del Instituto de Bellas Artes de Hubei con una licenciatura en pintura en 2016. Sus exposiciones incluyen la exposición individual “Tender Thorns” en Capsule Shanghai (Shanghái, China, 2021) y “Transient” en chi K11 Art Space (Wuhan, China, 2015), y las exposiciones colectivas “Mouthed Echoes” (Lyles & King, Nueva York, EE. UU., 2022), “Indoor Weather”, comisariada por Lu Xiangyi y Wang Shiying (Light Palette Through Time and Space – 2022 Caochangdi Young Artists Group Exhibition, Pekín, China, 2022), “Nine Lives” (Fortnight Institute, Nueva York, EE. UU., 2021), “IMPORT-EXPORT” (Import Export Project, Locarno, Suiza, 2019), “Right Behind Your Eyes”, comisariada por Sarah Faux (Capsule Shanghai, Shanghái, China, 2019), “The Apple Incident” (Dream Co., Pekín, China, 2018), “Sobre el dibujo: visibilidad del poder”, comisariada por Lu Mingjun (J: Gallery, Shanghái, China, 2017) y “Chūn rì dì xìan” (RS_PROJECTS, Wuhan, China, 2016), entre otras.

Motoko Ishibashi obtuvo su maestría en pintura en el Royal College of Art de Londres en 2015, su licenciatura en Bellas Artes (pintura) en la Slade School of Fine Art de Londres en 2013 (con honores) y una licenciatura en Estética y Ciencias del Arte: Filosofía en la Universidad de Keio, Tokio, en 2010. Centrada principalmente en la pintura, Ishibashi utiliza imágenes obtenidas en línea como inspiración para explorar el género en las culturas digitales. Su práctica también incluye instalaciones y performances. La obra de Ishibashi ha aparecido en las siguientes exposiciones recientes, algunas de las cuales también comisarió: COPE en no gallery, NY (2022), Salon en GUTS gallery, Londres (2022), Beginning of the end en Schwabinggrad, Múnich (2021), Assholes en VO curations, Londres (2021), Agitations: stired portraits en Courtyard Hiroo, Tokio (2020), The Sound of Rhubarb en Lady Helen, Londres (2019), Rachel Is en Pact , París (2019), Seraphita en Polansky Gallery, Praga (2018) y 2:00 en Fig. Tokio (2018).

Pixy Liao es una artista nacida y criada en Shanghái, China, que actualmente reside en Brooklyn, Nueva York. Ha participado en exposiciones y performances internacionales, como Fotografiska, Rencontres d'Arles en Arles, Asia Society, National Gallery of Australia, entre otras. Ha recibido la beca NYFA en fotografía, los premios Santo Foundation Individual Artist Awards, el premio Madame Figaro Women Photographers Award del Jimei x Arles International Photo Festival, la beca New Works de En Foco y los premios LensCulture Exposure Awards, entre otros. Ha realizado residencias artísticas en Light Work, Lower Manhattan Cultural Council, Center for Photography at Woodstock, University of Arts London, School of Visual Arts, Pioneer Works y Camera Club of New York. Liao posee una maestría en fotografía por la Universidad de Memphis.

Casey Kauffmann obtuvo su Maestría en Bellas Artes (MFA) de la Universidad del Sur de California y su Licenciatura en Artes (BA) del Evergreen State College en Washington. Su obra ha aparecido en publicaciones como Artnet, Artillery, LAWeekly, The New Yorker, ID Vice e Hyperallergic. Ha expuesto su trabajo a nivel nacional e internacional en galerías como Transfer Gallery, Human Resources, Brand Library en Glendale, Lyles and King, Coaxial, Arebyte, Cirrus, entre otras. Su proyecto de collage en Instagram, @uncannysfvalley, que inició en 2014, presenta collages digitales y GIFs creados únicamente con su iPhone. Las piezas que Kauffmann publica en esta cuenta constituyen una colección en constante crecimiento de material de todos los rincones de internet, proveniente de Tumblr, Instagram y Google. Esta cuenta de Instagram y su obra se han expuesto en numerosas galerías, se ha escrito sobre ella en varias publicaciones prestigiosas y, finalmente, la llevaron a ser admitida en el programa de MFA de la Universidad del Sur de California. La práctica del dibujo de Kauffmann funciona como una indagación sobre la representación de la emoción femenina y la histeria tanto en la historia del arte como en la cultura popular.

Los tapices a gran escala meticulosamente elaborados de ERIN M. RILEY representan imágenes íntimas, eróticas y psicológicamente crudas que reflexionan sobre relaciones, recuerdos, fantasías, violencia sexual y trauma. Al combinar fotografías personales, imágenes obtenidas de internet, recortes de periódicos y otros efímeros para crear sus composiciones, la tejedora radicada en Brooklyn expone la gama de experiencias vividas por las mujeres y cómo el trauma pesa en la búsqueda de la identidad propia. En su reseña de la exposición individual más reciente de Riley, The Consensual Reality of Healing Fantasies en P·P·O·W, Roberta Smith del New York Times escribió: “Sus colores ricamente variados y escenas complejas e impactantes aprovechan al máximo la autonomía puntada a puntada del tapiz”. Riley recibió su BFA del Massachusetts College of Art and Design y una MFA de la Tyler School of Art. Su trabajo ha sido incluido en exposiciones individuales y colectivas en P·P·O·W, Nueva York; Galerie Julien Cadet, París; Kohn Gallery, Los Ángeles; Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden; The Frances Young Tang Teaching Museum and Art Gallery en Skidmore College, Saratoga Springs; Gana Art Gallery, Seúl; entre otros. Riley recibió una beca de United States Artists Fellowship en 2021 y un premio de adquisición de arte de la American Academy of Arts & Letters en 2021, y ha realizado residencias artísticas en MacDowell Colony, New Hampshire, y en el Museum of Art and Design, Nueva York. Su obra se presentará en 52 Artists: A Feminist Milestone, que se inaugurará en el Aldrich Contemporary Art Museum en junio de 2022, y en manifesto of fragility , la 16.ª Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon, en septiembre de 2022.

ALEXANDRA NEUMAN es una artista interdisciplinaria que reside actualmente en Brooklyn, Nueva York. Inspirándose en la teoría poscolonial y el feminismo multiespecie, su obra se centra en concebir al ser humano como un proceso ecológico, en lugar de como un cuerpo o un yo individual. Se licenció en Bellas Artes con especialización en Artes Visuales y Antropología por la Sam Fox School of Art de la Universidad de Washington en San Luis (2015) y obtuvo una maestría en Bellas Artes con especialización en Artes Visuales y Diseño Especulativo por la Universidad de California en San Diego (2021). Ha participado en la Residencia Arteles en Haukijärvi, Finlandia, la Residencia PRAKSIS en Oslo, Noruega, y el Instituto de Verano de Arte Saas-Fee en Berlín. Sus películas se han proyectado en Anthology Film Archives, el Museum of the Moving Image y Eyeslicer. Ha recibido el premio Webby, así como la beca de la Fundación Russell y la beca de la Iniciativa para la Exploración Digital de las Artes y las Ciencias (IDEAS) en Calit2. Recientemente publicó un libro y una baraja de oráculo con Onomatopee Projects en Eindhoven, Países Bajos.

CURADORES

Eva Arballo, curadora
Emily Shoyer, curadora consultora

ASISTENCIA CURATORIAL

Kayla Janaé Smith, asistente de proyectos curatoriales
Xavier Danto, Asistente de Cobros
Megan Villa, ex coordinadora de proyectos curatoriales

EXPOSICIÓN DE DISEÑO

Eunice Yun Jeong Lee

PRODUCCIÓN DE EXPOSICIONES

Cletis Chatterton

EQUIPO TECNOLOGICO

edgar samudio
Winston Forgenie Jr.

EQUIPO DE INSTALACIÓN Y CONSTRUCCIÓN

cabestro de allison
Sara Sciabbarrasi
Kiersten Lukason
Flores Pintura

PRESTAMISTAS

Galería de la empresa
CULT Aimee Friberg Exposiciones
PIEDRAS Galería
Galería Deli
Downs y Ross
STARS
Hijas de Sargent
Lyles y King
CÁPSULA Shanghái
Galería P·P·O·W