CAJSA VON ZEIPEL profundiza en la identidad, el género y lo queer al tiempo que interroga los ideales del clasicismo a través de la escultura. Basándose en la estética de la ciencia ficción y la fantasía, construye sus figuras en silicona de colores brillantes y las adorna con pertrechos de tiendas de dólar convertidos en tesoros relucientes. En una resuelta afirmación de la visibilidad femenina y la provocación positiva del sexo, estos seres celebran un mundo de su propia creación. El trabajo de Von Zeipel se encuentra actualmente en exhibición en el Museo ARKEN en Ishøj y en el Museo Rubell en Miami. Otras exposiciones recientes incluyen las de Peres Projects, Berlín; CF Hill, Estocolmo; la Bienal de Atenas; Copenhague Contemporáneo, Dinamarca; Kunsthalle Düsseldorf, Alemania; Company Gallery, Nueva York; Andrehn-Schiptjenko, Estocolmo; Karma Internacional, Zúrich; Konstmuseum, Kristinhamn y Arcadia Missa, Londres. Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas como la Fundación Onassis, la Fundación Rubell, el Museo de Arte Moderno de Varsovia, la Colección Faurschou, el Museo 21C, el Museo Moderno, el Museo de Artes Borås y el Museo de Arte Eskilstuna.

PARQUE COYOTE (él/ellos) es un artista de 2Spirit (coreano, alemán, nativo de Yurok) de Honolulu, Hawái, que actualmente vive en el territorio de Tongva (Los Ángeles). Son artistas transgénero que centran su práctica en la fotografía, la escritura, la interpretación, la pintura, la producción y la dirección creativa como modos de narración. El trabajo de Park tiene como objetivo crear una utopía queer al fotografiar espacios de comodidad, unión y liberación. Park fusiona su trabajo escrito con su pasión por la creación de imágenes a través de su serie de fotos titulada "All Kin is Blood Kin" (2020 - actual) que rodea temas de familia elegida, renacimiento e intimidad. Su intención en todo lo que crean es que sea un camino para sanar y soñar con nuevos mundos.

NICKI VERDE es un artista transdisciplinario que trabaja principalmente en arcilla. Sus esculturas, objetos rituales y diversas obras planas exploran temas de preservación de la historia, ornamentación conceptual y estética de la otredad. A menudo, construye superficies vidriadas pintadas muy ornamentadas y técnicas de construcción orgánicas y experimentales. Green explora la integridad de los materiales y los objetos al utilizar la transness como una lente con la que mirar el mundo. Green ha exhibido su trabajo a nivel internacional, en particular en el New Museum, Nueva York; Musée d'Art Moderne en París, Francia, y The Contemporary Jewish Museum, San Francisco. Ha contribuido con textos en numerosas publicaciones, incluidas Transgender Studies Quarterly, Fermenting Feminism, Copenhagen y The Center for Arts Research, University of Oregon, Eugene. Green es becaria de la Fundación Nancy Graves en 2022, y fue becaria de Art Matters en 2020, y en 2019, finalista del premio SECA del Museo de Arte Moderno de San Francisco, y ganadora de una Residencia en Artes/Industria del Centro de Arte John Michael Kohler , entre otros premios y residencias. Originaria de Nueva Inglaterra, completó su BFA en escultura del Instituto de Arte de San Francisco en 2009 y su MFA en Práctica Artística de la Universidad de California, Berkeley en 2018. Green es actualmente profesora visitante y artista residente en la Universidad Estatal de California, Centro de Long Beach para Cerámica Contemporánea.

JIMENA CROCERI es un artista multimedia radicado en Buenos Aires, Argentina. Su práctica artística se caracteriza por la intención y la experimentación, por la resistencia y la fluidez. Adoptando un método de laboratorio, que no es ni racional ni estéril sino más curioso que preciso, su obra consta de varios elementos que son todos protagonistas: el tiempo, el azar, la colaboración, la correlación y la coincidencia. Usando tanto materiales cotidianos como elementos naturales, su trabajo explora puntos de flexibilidad entre gestos, rituales y actuaciones. Las residencias y precios recientes incluyen la Beca Pernod Ricard 2020 en Villa Vassilieff en París, el programa de intercambio «Coincidencia» de Pro-Helvetia en Suiza (2019), una residencia en Bar Project en Barcelona (2019) y el programa de residencia FLORA ars+natura en Bogotá (2018). En 2017, Croceri realizó una investigación de campo en la selva amazónica brasileña, gracias a una subvención de Oxenford Collection. Los performances, talleres y exposiciones de Croceri han sido acogidos, entre otros, por Museo MUNTREF (BsAs, 2022), Museo de Arte Contemporáneo Ming (Shangai, 2022), Centro Cultural Kirchner (BsAs, 2021), Galería Piedras (Buenos Aires, 2020), Galería Raven Row (Londres, 2019), Ausstellungsraum Klingental (Basilea, 2021 y 2019), Cabaret Voltaire (Zürich, 2019), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (BsAs, 2021, 2019 y 2014), Museo de Arte Latinoamericano ( Buenos Aires, 2017), Centro de Arte Faena (Buenos Aires, 2017 y 2015), y HFBK (Dresden, 2016). Obra a la vista: El aire entre nosotrxs tiene forma de hueso (2020).

ALINA PÉREZ recibió su BFA en Pintura de la Escuela de Diseño de Rhode Island y su MFA en Pintura y Grabado en la Universidad de Arte de Yale en New Haven. Participó en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan en 2017 y ha asistido a residencias en el Centro de Obras de Bellas Artes en Provincetown, la Escuela de Arte OxBow en Michigan y el Vermont Studio Center. Su trabajo fue exhibido recientemente en el Museo de Arte Taubman, Virginia; Contemporáneo de Atlanta, Georgia; Galería Deli, Nueva York; Arcadia Missa, Londres; Rachel Uffner, Nueva York; y Company Gallery, Nueva York. Pérez está representado por Deli Gallery, Nueva York.

MARÍA KARLBERG Vive y trabaja en Nueva York. En 2013, Karlberg fundó M/L Artspace con la artista Lena Henke. Karlberg ha actuado recientemente en Elevation1049, Gstaad; Palacio de Tokio, París; y Künstlerhaus Halle für Kunst & Medien, oGraz. Ha realizado exposiciones individuales en Bonny Poon, París; Plymouth Rock, Zúrich; vagabundos, Nueva York; Marbriers 4, Ginebra y Reena Spaulings Fine Arts, Nueva York. Karlberg ha participado recientemente en exposiciones colectivas como “Legally Blonde”, Downs & Ross, Nueva York; “¡Ab auf die Insel!”, Kunstmuseum; Lucerna; IL NUOVO III,”Etablissement d'en face, Bruselas; La 9ª Bienal de Berlín”, Berlín; “Freak Out”, Greene Naftali, Nueva York. Karlberg actuó en obras de teatro en el Schinkel Pavillion, Berlín; el Museo de Arte Whitney, Nueva York; y MoMA, Nueva York. El trabajo de Karlberg está incluido en las colecciones de Moderna Museet, Estocolmo, Suecia; Museo de Arte Moderno de París, París; y Laurenz-Stiftung Schaulager, Münchenstein, Suiza, entre otros.

KAYODE OJO recibió un BFA de la Escuela de Artes Visuales. Actualmente vive y trabaja en Nueva York. Las exhibiciones seleccionadas incluyen: “Legally Blonde”, Downs & Ross, Nueva York; “Lucky for Men”, Bortolami Gallery, Nueva York; “Nunca me han besado”, Praz Dellavelade, Los Ángeles (2019); “¿Lo vestiste como yo?”, Giardino Segreto, Milán, Italia; “Equilibrium”, Galería Martos, Nueva York (2018); “Traición”, Galerie Balice Hertling, París, Francia; “Más cerca”, Sweetwater, Berlín; “Zoe Leonard, Kayode Ojo”, comisariada por Laura Hunt, Paula Cooper Gallery, Nueva York (2018); “Life and Limbs”, comisariada por Anne-Sophie Berger, Instituto Suizo, Nueva York; “El hombre invisible”, Galería Martos, Nueva York.

CEREZA BRICE JR. es una escritora, pornógrafa y cineasta nacida en Brooklyn, criada en Puerto Príncipe y educada en Harvard, cuyo trabajo se ha proyectado desde Berlín, Ciudad de México y Puerto Príncipe. Decidido a escapar del salón de los espejos conceptuales del mundo blanco, cherry crea obras de smog, smegma y smut basadas en el tiempo. cherry vivió en Haití hasta los once años y se graduó de la Universidad de Harvard con una licenciatura en Economía. cherry es la presentadora, curadora y creadora de CineSymposia, una serie de proyección de películas radicales y una pieza de instalación en Anthology Film Archives, y Ace of Shade, un espectáculo de comedia mensual que se agota regularmente en el Duplex Cabaret Theatre de la ciudad de Nueva York. Además de lo anterior, el trabajo de cherry ha sido apoyado, presentado y distribuido por instituciones como The Museum of Modern Art, The New York Foundation for the Arts, The Los Angeles Review of Books, The New York Times, The Millennium Film Workshop, y The Film-Makers' Cooperative, en cuya junta directiva actualmente se desempeña cherry.

CLIFFORD PRÍNCIPE REY es un artista que vive y trabaja en Nueva York y Los Ángeles. King documenta sus relaciones íntimas en entornos tradicionales y cotidianos que hablan de sus experiencias como hombre negro queer. En estos casos, la comunión comienza a transformarse en una ofrenda de memoria; es cómo honra y celebra la realidad de la personalidad en capas. Dentro de las imágenes de King hay guiños al más allá. Las ofrendas compartidas al pasado se manifiestan en códigos ocultos a simple vista, conocidos solo por aquellos que se sientan en un lugar compartido de conocimiento. Se han realizado exposiciones individuales recientes en Light Work, Syracuse (2021); No Moon, Los Ángeles (2021); y STARS, Los Ángeles (2020). Las colecciones públicas que contienen su trabajo incluyen el Museo Hammer, ICA Miami, el Museo de Arte Contemporáneo Kleefeld, Long Beach, el Museo de Artes del Condado de Los Ángeles, el Instituto de Arte de Minneapolis y The Studio Museum en Harlem.

JUSTIN YOON es un pintor de Brooklyn. Los recuerdos de la primera infancia de la comida chatarra estadounidense, las viejas películas nocturnas de Hollywood en la televisión y escuchar jazz en el automóvil con su familia en viajes largos lo afectaron significativamente para crear un mundo de melancolía romántica, colores sintéticos y pérdida casual de ser. Sin provocar emociones específicas, el grupo de personajes vuelve a aparecer una y otra vez en un paisaje onírico profundamente sintético pero ambiguo, continuando en esta interminable "Reunión de la escuela secundaria". El espectador se convierte en parte de esta experiencia, que es vagamente universal pero profundamente personal. Justin tiene un BFA en Ilustración de Parsons School for Design, NY. Su trabajo ha sido exhibido en Anat Ebgi Gallery, Shelter Gallery, Hannah Traore Gallery, Governors Island Art Fair, Felix Art fair y más. Las próximas exhibiciones incluyen un solo en línea con Taymour Grahne Projects (Londres, Reino Unido), una exhibición grupal con Museum of Sex (Nueva York, NY) y dos solos con Mindy Solomon Gallery (Miami, FL) y Anat Ebgi (Los Ángeles, CA) ). El trabajo de Justin ha sido publicado en Math Magazine, Lezs Magazine y más.

PACÍFICO SILANO es un artista basado en fotografías cuyo trabajo es una exploración de la cultura impresa, la circulación de imágenes y la identidad LGBTQ. Nacido en Brooklyn, NY, recibió su MFA en Fotografía de la Escuela de Artes Visuales. Recientemente tuvo una exposición individual en 2 ubicaciones abierta en Fragment Gallery & Rubber-Factory en Nueva York. Sus otras exposiciones individuales incluyen The Bronx Museum of The Arts, The Houston Center for Photography, Light Work, Baxter Street CCNY, Melanie Flood Projects, Stellar Projects y Monti8 en Italia. Las exposiciones colectivas seleccionadas incluyen Un billón de atardeceres: un siglo de sobrecarga de imágenes, comisariada por David Campany, en el Centro Internacional de Fotografía, Fantasía América, comisariada por José Díaz en el Museo Andy Warhol, reGeneration4: los desafíos de la fotografía y su museo del mañana, Musée de l'Elysée, Lausana, CH, divina comedia, curada por Pedro Slim, Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México, MX y la muestra del museo itinerante Arte SIDA América. Apertura, Artforum, The New Yorker y  The Washington Post todos han revisado su trabajo. Los premios de Silano incluyen la Beca de Fotógrafo Individual de la Fundación Aaron Siskind, finalista del Premio de Portafolio de la Fundación Aperture y la Residencia en la Galería Block del Museo de las Artes del Bronx de 2019. Su libro "I Wish I Never Saw The Sunshine", publicado por Loose Joints, fue recientemente preseleccionado para el premio Rencontres Arles Prix du Livre y la preselección de The Paris Photo / Aperture Foundation para el primer premio del libro. Su obra se encuentra en la colección permanente del Museo de Arte Moderno.

CAVADORA VICTORIA es un artista visual que vive y trabaja en Athens, Georgia. Su práctica abarca pintura, obras de técnica mixta y escultura. Trabajando a través de estas formas, produce objetos que desdibujan las categorías aceptadas, explorando modos novedosos de autoexpresión y encarnación. Ella disecciona su identidad como una mujer negra discapacitada a través de una combinación de composiciones divertidas e imágenes grotescas. Dugger es actualmente un candidato a MFA en la Escuela de Arte Lamar Dodd de la Universidad de Georgia. Tuvo su debut como solista. Fuera del cuerpo con Sargent's Daughters en julio de 2021. Otras presentaciones recientes en solitario incluyen Cuidado con el cuerpo, Centro de Artes Lyndon House, Atenas, GA (2017); y Sacarina, Container Gallery, Universidad Estatal de Columbus, Columbus, GA (2015).

TAO SIQI la práctica de la pintura se origina en su búsqueda de metáforas escondidas bajo la superficie de un objeto. Los motivos positivos y negativos de un objeto la intrigan para explorar su trasfondo emocional en el lienzo. Los temas inusuales en las pinturas de Tao, la fuente en una neblina azul polvorienta, la suavidad del arma de metal y el muñeco de nieve derritiéndose, trascienden sus significados y reflejan la tensión entre la realidad y la ilusión. Arraigada en su aguda observación y percepción sensible de los tiempos que vivimos, sus obras buscan desencadenar experiencias emocionales personales a través de la construcción, extensión y deconstrucción de imágenes. Tao Siqi nació en Wuhan, provincia de Hubei, China en 1994 y actualmente vive y trabaja en Shanghai. Se graduó del Instituto de Bellas Artes de Hubei con una licenciatura en pintura en 2016. Sus exposiciones incluyen la exposición individual "Tender Thorns" en Capsule Shanghai (Shanghai, China, 2021) y "Transient" en chi K11 Art Space (Wuhan, China, 2015). ), y las exposiciones colectivas “Mouthed Echoes” (Lyles & King, Nueva York, EE. UU., 2022), “Indoor Weather”, comisariada por Lu Xiangyi y Wang Shiying (Paleta de luz a través del tiempo y el espacio – Exposición colectiva de jóvenes artistas de Caochangdi 2022, Pekín , China, 2022), “Nine Lives” (Fortnight Institute, Nueva York, EE. UU., 2021), “IMPORT-EXPORT” (Import Export Project, Locarno, Suiza, 2019), “Right Behind Your Eyes”, comisariada por Sarah Faux (Capsule Shanghai, Shanghai, China, 2019), “The Apple Incident” (Dream Co., Beijing, China, 2018), “On Drawing: Visibility of Power” comisariada por Lu Mingjun (J: Gallery, Shanghai, China, 2017 ) y “Chūn rì dì xìan” (RS_PROJECTS, Wuhan, China, 2016) entre otros.

MOTOKO ISHIBASHI recibió su Maestría en Pintura en el Royal College of Art, Londres en 2015, su BFA en Pintura en Slade School of Fine Art, Londres en 2013 (con honores de primera clase), y una licenciatura en Estética y Ciencias de las Artes: Filosofía en Keio University, Tokio en 2010. Centrado predominantemente en la pintura, Ishibashi utiliza imágenes de fuentes en línea como inspiración para la exploración del género dentro de las culturas digitales. Su práctica también incluye instalación y performance. El trabajo de Ishibashi ha aparecido en las siguientes exposiciones recientes, algunas de las cuales también participó en la curaduría: CAPA PLUVIAL en ninguna galería, Nueva York (2022), Salón en la galería GUTS, Londres (2022), Principio del final en Schwabinggrad, Múnich (2021), Pendejos en las curaciones de VO, Londres (2021), Agitaciones: retratos agitados en el Courtyard Hiroo, Tokio (2020), El sonido del ruibarbo en Lady Helen, Londres (2019), Rachel está en pacto, París (2019), serafita en Polansky Gallery, Praga (2018), y 2:00 en Fig. Tokio (2018).

PIXY LIAO es un artista que nació y se crió en Shanghai, China y actualmente reside en Brooklyn, NY. Liao ha participado en exposiciones y actuaciones a nivel internacional, incluidos Fotografiska, Rencontres d'Arles en Arles, Asia Society, National Gallery of Australia, etc. Recibió la beca NYFA en fotografía, Santo Foundation Individual Artist Awards, Jimei x Arles International Photo Festival Madame Figaro Women Photographers Award, En Foco's New Works Fellowship y LensCulture Exposure Awards, etc. Ha realizado residencias artísticas en Light Work, Lower Manhattan Cultural Council, Center for Photography at Woodstock, University of Arts London, School of Visual Arts, Pioneer Works y Camera Club de Nueva York. Liao tiene una maestría en fotografía de la Universidad de Memphis.

CASEY KAUFFMANN recibió su Maestría en Bellas Artes de la Universidad del Sur de California y su Licenciatura en Artes de The Evergreen State College en Washington. El trabajo de Kauffmann ha aparecido en publicaciones como Artnet, Artillery, LAWeekly, The New Yorker, ID Vice e Hyperallergic. Su trabajo ha sido exhibido a nivel nacional e internacional en galerías como Transfer Gallery, Human Resources, Brand Library en Glendale, Lyles and King, Coaxial, Arebyte, Cirrus y más. El proyecto de Instagram de collage de Kauffmann @uncannysfvalley, que comenzó en 2014, presenta trabajos de collage digital y GIF creados solo con su iPhone. Las piezas que Kauffmann publica en esta cuenta son una colección cada vez mayor de material de todos los rincones de Internet, procedente de Tumblr, Instagram y Google. Esta cuenta de Instagram y el cuerpo de trabajo se exhibieron en muchas galerías, se escribió sobre ellos en varias publicaciones estimadas y, finalmente, la llevaron a ser admitida en el programa MFA de la Universidad del Sur de California. La práctica del dibujo de Kauffmann funciona como una investigación sobre la representación de la emoción femenina y la histeria tanto en la historia del arte como en la cultura popular.

de ERIN M. RILEY Los tapices a gran escala meticulosamente elaborados representan imágenes íntimas, eróticas y psicológicamente crudas que reflexionan sobre las relaciones, los recuerdos, las fantasías, la violencia sexual y el trauma. Con un collage de fotografías personales, imágenes extraídas de Internet, recortes de periódicos y otros objetos efímeros para crear sus composiciones, la tejedora de Brooklyn expone la variedad de experiencias vividas por las mujeres y cómo el trauma influye en la búsqueda de la propia identidad. En su reseña de la exposición individual más reciente de Riley, La realidad consensuada de las fantasías curativas en P·P·O·W, Roberta Smith del New York Times escribió: "Sus colores ricamente variados y sus escenas complejas y deslumbrantes aprovechan al máximo la autonomía puntada a puntada del tapiz". Riley recibió su BFA de la Facultad de Arte y Diseño de Massachusetts y una Maestría en Bellas Artes de la Escuela de Arte de Tyler. Su trabajo ha sido incluido en exposiciones individuales y colectivas en P·P·O·W, Nueva York; Galería Julien Cadet, París; Galería Kohn, Los Ángeles; Henie Onstad Kunstsenter, Hovikodden; el Museo de Enseñanza y Galería de Arte Frances Young Tang en Skidmore College, Saratoga Springs; Galería de Arte Gana, Seúl; entre otros. Riley recibió una beca de becas para artistas de los Estados Unidos, 2021 y un premio de compra de arte de la Academia Estadounidense de Artes y Letras, 2021 y ha completado residencias en MacDowell Colony, New Hampshire y el Museo de Arte y Diseño, Nueva York. Su trabajo se presentará en 52 artistas: un hito feminista inauguración en el Museo de Arte Contemporáneo de Aldrich en junio de 2022 y manifiesto de fragilidad, la 16ª Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon, en septiembre de 2022.

ALEJANDRA NEUMAN es un artista interdisciplinario que actualmente reside en Brooklyn, Nueva York. Basándose en ideas de la teoría poscolonial y el feminismo de múltiples especies, su trabajo se centra en posicionar al ser humano como un proceso ecológico en lugar de un cuerpo o yo individual. Recibió un BFA en Artes Visuales y Antropología de la Escuela de Arte Sam Fox en la Universidad de Washington en St. Louis (2015) y un MFA en Artes Visuales y Diseño Especulativo en la Universidad de California, San Diego (2021). Es ex participante de la Residencia Arteles en Haukijarvi, Finlandia, la Residencia PRAKSIS en Oslo, Noruega, y el Instituto de Arte de Verano Saas-Fee en Berlín. Sus películas se han exhibido en Anthology Film Archives, Museum of the Moving Image y Eyeslicer. Es homenajeada con el Premio Webby, así como también recibió la Beca de la Fundación Russell y la Beca de la Iniciativa para la Exploración Digital de las Artes y las Ciencias (IDEAS) en Calit2. Recientemente publicó un libro y una plataforma de oráculos con Onomatopee Projects en Eindhoven, Países Bajos.

CURADORES

Eva Arballo, curadora
Emily Shoyer, curadora consultora

ASISTENCIA CURATORIAL

Kayla Janaé Smith, asistente de proyectos curatoriales
Xavier Danto, Asistente de Cobros
Megan Villa, ex coordinadora de proyectos curatoriales

EXPOSICIÓN DE DISEÑO

Eunice Yun Jeong Lee

PRODUCCIÓN DE EXPOSICIONES

Cletis Chatterton

EQUIPO TECNOLOGICO

edgar samudio
Winston Forgenie Jr.

EQUIPO DE INSTALACIÓN Y CONSTRUCCIÓN

cabestro de allison
Sara Sciabbarrasi
Kiersten Lukason
Flores Pintura

PRESTAMISTAS

Galería de la empresa
CULT Aimee Friberg Exposiciones
PIEDRAS Galería
Galería Deli
Downs y Ross
STARS
Hijas de Sargent
Lyles y King
CÁPSULA Shanghái
Galería P·P·O·W